Venerdì 29 gennaio 2010 dalle ore 18.30

Dalle buone pratiche, urgenze e progettualità emerse nel corso del convegno promosso dal Teatro Furio Camillo – Teatri in Formazione dello scorso 18 dicembre, nasce il progetto di Argillateatri di un incontro dimostrativo, pratico aperto ai formatori ed agli allievi, ma soprattutto al territorio per iniziare scambi reali e fattivi e crescite comuni .

Nonostante l’abitudine a dividere il Teatro in generi e categorie, l’attore non può frazionarsi, ma può andare oltre le definizioni di attore di parola, attore di movimento, di narrazione, mimo, acrobata…

Andare oltre, mostrando la sua anima ed inducendo lo spettatore a riconoscersi, condividendo il proprio sentire che diventa, così, il sentire anche di chi guarda e ascolta.

E’ questa l’idea che conduce e collega i corsi di formazione di Argillateatri: apprendere le diverse tecniche dell’attore per essere veri e liberi nella rappresentazione, utilizzando il proprio immaginario.

E’ questo quello che vogliamo condividere con chi vuole intraprendere la professione dell’attore, con i professionisti del teatro, con gli aspiranti attori e danzatori, con le scuole ed i centri di formazione, con gli abitanti del territorio, i portatori di disagi, gli anziani, i giovani, le donne e gli stranieri. Proponendo percorsi trasversali ed unificanti capaci di creare movimento, azione e resistenza.

Il luogo: Il Centro Morandi è uno spazio periferico, per la formazione, l’incontro, lo scambio di idee, ideale per raccogliere storie e vissuti, intrecciare itinerari e formulare possibili evoluzioni

Il progetto: “L’attore e lo spazio vuoto” è un progetto destinato all’apprendimento ed alla formazione pratica. Mette in comune esperienze e visioni diverse, finalizzate a raggiungere un obiettivo comune, quello di offrire agli allievi la professionalità e le indicazioni per utilizzare attivamente il proprio talento e le proprie capacità.

In programma:

dimostrazione di lavoro (training)
l’attore sulla scena tra caos e armonia
proiezione del video realizzato nel corso del laboratorio intensivo
scambio di idee e pensieri
aperitivo

Per informazioni, contatti e prenotazioni

0677071899 – 3683258777
argillateatri@gmail.org

Come tutto il teatro romano, anche noi abbiamo incrociato la nostra strada con quella che ha saputo inventare, segnare e diffondere Giancarlo Nanni.

A partire dagli anni ‘70 quando fare teatro era un’azione comunque collettiva e meravigliosa perchè viveva in un continuo stato di fermento e di ideazione.

Mentre Giancarlo Nanni creava il Teatro La Fede a Porta Portese, Lanterna Rossa iniziava il suo discorso teatrale al Quadraro. Stessa vitalità, stessi scambi, stessi incontri per memorie differenti e indomabili.

Il nostro percorso s’è più volte incontrato con quello di Nanni. E del Teatro Vascello.

Cominciando a ritroso: quando nel 2006 Argillateatri fu minacciata di sfratto dai locali di Via dell’Argilla nel 2006, ricevemmoda La Fabbrica dell’Attore questa dichiarazione di solidarietà:  
Siamo spiacenti di quanto sta avvenendo,ma non sorpresi, vista la latitanza delle Istituzioni che va avanti da decine di anni e con qualsiasi governo della città.Argilla Teatri è parte integrante di quel sistema di servizio pubblico sviluppato da artisti privati in mancanza del servizio pubblico istituzionale. Aderiamo alla vostra protesta e faremo una raccolta di firme per impedire questa ennesima sopraffazione della cultura nella nostra città,tenuta viva soprattutto da queste realtà necessarie e insostituibili.
Teatro vascello, giancarlo nanni, manuela kustermann, Coop.la fabbrica dell’attore srl.onlus

Ma non fu solo un’adesione formale, perchè ci fu data anche disponibilità ed accoglienza per i nostri spettacoli e corsi.

Oppure la manifestazione “L’Orizzonte è Rosso” che Nanni ideò nel 1998 coinvolgendo artisti diversi (fra i quali Teatri Uniti, Solari Vanzi, Pippo Di Marca, Krypton, Valdoca, Marcido Marcidorjs, Giorgio Barberio Corsetti, la Zattera di Babele e il Teatro Patologico), lungo tutto il territorio di Monteverde alla ricerca del “teatro dell’Utopia” ed alla quale partecipammo con una splendida performance su trampoli, FiloRosso che, partendo dal palcoscenico del Teatro Vascello risaliva il Foyer e la biglietteria fino alla strada, legando con un sottile filo di seta quinte e poltrone, sculture e mancorrenti, botteghino e porte d’ingresso, alberi, motorini, autobus…

E poi i pranzi nel foyer, buonissimi, cucinati da Giancarlo ed assaggiati da teatranti ed innamorati del teatro, pranzi in cui nutrivamo soprattutto le idee scambiandole con la certezza che avremmo davvero prodotto qualcosa d’innovativo.

Ma è nel modo di intendere il teatro che ci sentiamo grati a Giancarlo che ha saputo lavorare e mettere in atto un processo di “resistenza” aristica, etica e sociale contro tutte le assenze, le dimenticanze e il disinteresse del potere nei confronti della cultura.
Il Teatro Vascello è stato un luogo che ha saputo accogliere e offrire opportunità a molteplici realtà teatrali internazionali.
Molte compagnie hanno trovato il loro riconoscimento proprio passando per quello che consideriamo il più bel palcoscenico di Roma, giovani artisti e studenti hanno ricevuto attenzione e sostegno, spettacoli dal Giappone, dall’India o dal Tibet sono giunti fino ai nostri occhi e, sempre di più, negli ultimi tempi, il Vascello è andato oltre la sua finalità istituzionale, aprendosi a nuove forme sperimentali, con attenzione alla creatività e al merito e senza giudizio sulle tecniche o sulle mancanze.

E’ infatti questa la nostra idea di Teatro che ognuno di noi, a suo modo, ama e serve quotidianamente. Un Teatro che serva a mettere in connessione immaginari diversi e che insegni ad essere. Ad esserci nella vita e sulla scena sperimentando noi stessi, le nostre idee, i nostri sogni (della cui sostanza, in fin dei conti, siamo fatti…).

Giancarlo Nanni ci mancherà.
Ci mancheranno le sue innumerevoli idee, le soluzioni fantastiche per far rimanere in vita il Teatro Vascello durante le ricorrenti difficoltà finanziarie, la sua capacità di non discostarsi mai dalla sua strada.
Che poi è quella che stiamo percorrendo e che dobbiamo continuare a percorrere.

Qui ed ora. In ogni Teatro.

presenta: Invito a Teatro | salotto musicale e letterario
3. 10. 22. dicembre 2009, ore 20,30
Inaugurazione della manifestazione : 3. dicembre ore 19,30
Interverranno il Presidente del Consiglio Comunale Marco Pomarici
ed il Presidente del Municipio Roma XX Gianni Giacomini

Hotel River Chateau
Via Flaminia, 520
Roma

Ingresso su invito

Visualizzazione ingrandita della mappa

Informazioni, inviti e prenotazioni

0677071899 | 3384670935 | argillateatri@gmail.com

Programma

giovedì  03 dicembre ore 20,30
Il testo letterario e il mito
Il Minotauro di F.  Durrenmatt
lettura teatralizzata con musica dal vivo
con

• Ivan Cozzi (voce recitante)
• Daniele Roccato (contrabbasso strumentista)
• Cinzia Ana Cortejosa (danza)

giovedì 10 Dicembre ore 20,30
Rianta: “Tracce” musica tradizionale irlandese
con

• Kay Mc Carthy (voce cantante e narrante ed arpa)
• Piero Ricciardi (bodhran e cnàma/bones)

martedì 22 Dicembre ore 20,30
Federico Garcia Lorca  “Les Canciones Espanolas Antiguas”
con

• Daniela Ferri (soprano)
• Luigi Ara  (chitarra)
• Maria Grazia Calandrone  (voce recitante)

A cura di Ass. Teatrale The Way to the Indies
con la collaborazione di Gabriella Mignone

Il teatro esce al di fuori dei soliti percorsi, oltre i sipari, oltre il rumore delle piazze, in un luogo elegante dove poter “gustare” uno spettacolo con rinnovato piacere.

Teatro, musica e poesia, sono questi gli elementi su cui nasce “Invito a Teatro”, tre incontri raffinati e colti che andranno in scena in un ambiente ospitale dove gli spettatori saranno intrattenuti da interpreti ed esecutori capaci di offrire a ciascuno il piacere di entrare in una “storia” tutta da vivere.

A cominciare dall’inaugurazione, quando incontreremo la partitura musicale di Daniele Roccato immaginata appositamente per lo spettacolo “Minotauro”, tratto dall’affascinante testo di Friedrich Durrenmatt sulla diversità e il mito, per la regia di Ivan Vincenzo Cozzi e l’intervento danzato di Cinzia Ana Cortejosa.

“Minotauro” è un lavoro in continuo divenire che, attraverso gli apporti e gli incontri dei diversi artisti che hanno contribuito a crearlo, si è trasformato in un’opera vibrante di significati e intenzioni che scava nello smarrimento dell’uomo di fronte all’incontro con la propria coscienza. Ma non solo, poiché il Minotauro è anche il recluso-escluso, colui che non può entrare nella relazione sociale, impossibilità che si trasforma in emarginazione, disuguaglianza e che s’avvale di tutto l’immaginario che da millenni ruota attorno ai portatori di questa disparità.

Il programma del “salotto” continua giovedì 10 dicembre con l’incantevole voce di Kay Mc Carthy che, dall’Irlanda romantica e spavalda, porta copn “Rianta – Tracce“, canzoni e storie di una terra densa di antiche mitologie, di favole e di quel senso del mistero che la lingua gaelica, assieme alla comunicazione musicale essenziale, esprime con freschezza la realtà del presente, riuscendo a narrare perfino storie di cronaca e di vita recente.

Martedì 22 dicembre sarà infine la volta delle “Canciones Espanolas Antiguas” di Federico Garcia Lorca portate in scena dal soprano Daniela Ferri accompagnata dal chitarrista Luigi Ara. Le “Canciones” nacquero dal desiderio di Lorca di valorizzare la musica popolare andalusa, particolarmente affascinante perché crogiolo di sonorità di diverse provenienze (musica religiosa bizantina, musicale orientale degli arabi conquistatori e tradizione gitana.) e nelle quali il poeta raccolse antiche melodie popolari rielaborandone i testi, l’armonia e la melodia. Accanto al canto, alcuni testi di Federico Garcia Lorca saranno declamati dalla poetessa Maria Grazia Calandrone.

Un “Invito a Teatro”, dunque, per poter gustare con tutti i sensi; l’occasione unica per poter essere protagonisti di una serata affascinante ed appassionante.

Sono aperte le iscrizioni al corso di formazione triennale “Per un teatro di liberazione”.
Il corso, che va da ottobre a giugno di ogni anno, è composto da differenti moduli integrati: classi bisettimanali; laboratori intensivi, weekend o settimane residenziali.

Mediante un metodo di training dinamico che racchiude in sé gli elementi delle tecniche del “terzo teatro” (Grotowski, Odin Teatret) e del teatro politico (Living Theatre), della biomeccanica di Mejer’hold, del metodo (Actor’s Studio), del teatro orientale e del tai chi chuan, Ivan Vincenzo Cozzi,propone un lavoro modulare, volto ad attivare la creatività e a mettere in luce la sensibilità individuale degli allievi.

Il fine è quello di sviluppare la capacità di individuare la propria (personale) metodologia del processo creativo, nonché di fornire gli strumenti per una visone da molteplici prospettive

Il progetto si divide in tre fasi distinte e collegate fra loro in modo da approcciare tre diverse condizioni del lavoro creativo dell’attore

Pre espressività teatrale (lavoro fisico, lavoro con l’oggetto, etc.) finalizzato alla realizzazione di spettacoli di strada ed in particolare: L’Uccello di Fuoco ed Esercizi di Libertà

Interpretazione e recitazione finalizzato alla realizzazione di uno spettacolo tratto da un’opera di Anton Checov nell’ambito del progetto…….

Ricerca e drammaturgia sul tema del sogno e sull’identità finalizzato alla realizzazione di uno spettacolo tratto dal romanzo Il Marinaio di Fernando Pessoa

Nel corso dei tre anni verranno fornite le basi del lavoro dell’attore, che porteranno alla formazione di attori professionisti ed alla realizzazione di alcuni spettacoli di teatro sia in strada, sia su palco.

Il lavoro sarà integrato dall’acquisizione di altre tecniche grazie all’ incontro con i maestri di altre arti e discipline che verranno proposte nel corso dell’anno

Le necessità di un attore sono:

allenamento fisico costante e finalizzato a consentire all’attore di riconoscere ed utilizzare la ricchezza espressiva del corpo e della voce, che sono gli strumenti essenziali per il lavoro teatrale (training fisico, vocale, lavoro con gli oggetti, improvvisazione etc.) . L’attore deve, infatti tendere a raggiungere la massima intensità espressiva che gli permetta di vivere l’ atto teatrale nella sua organicità, ponendolo nella condizione di creare il suo spazio attraverso la propria presenza.

approccio, conoscenza ed approfondimento del linguaggio teatrale e dei suoi principi comuni alle diverse discipline, tradizioni e culture (teatro classico, occidentale, orientale, mimo, danza, circo, etc.), attraverso lo studio dei diversi metodi ed esercizi fondamentali del lavoro dell’attore (elaborazione del personaggio). La creatività va esercitata, affinata, accudita ed alimentata; gli esercizi hanno lo scopo di preparare all’ improvvisazione individuale e collettiva ed alla creazione di scene teatrali.

Il corso di formazione si compone di quattro fasi fondamentali

training fisico: preparazione del corpo; lavoro nello spazio (modellare l’energia nello spazio e nelle direzioni); acrobatica (verticali, capriole, ruote, etc.)comunicazione attraverso il gesto (osservazione ed imitazione); l’improvvisazione gestuale; il valore teatrale del gesto; lavoro con l’oggetto (l’accessorio, il costume, la maschera, i trampoli, etc). Il fine: la liberazione del gesto e del movimento della voce e di se stessi.

training vocale: i risuonatori; l’emissione della voce in sincronia con il movimento; l’immaginazione vocale; il canto (respirazione, pronuncia ed articolazione), la musica, il ritmo la parola. Dizione, articolazione e impostazione della voce.

ricerca, studio e drammatizzazione di un’opera teatrale: ricerca sul testo originale e su altri testi. Approfondimento del linguaggio teatrale nelle sue differenti forme e discipline. Analisi del testo decodificare azioni, movimenti, intenzioni, significati, accadimenti, ritmi. Studio dei personaggi; tecniche di immaginazione, identificazione improvvisazione. La composizione dello spettacolo.

allestimento e rappresentazione di uno spettacolo: in quest’ultima fase saranno organizzati gruppi di lavoro con compiti specifici (attori, scenografi, costumisti, tecnici , etc).

Parola chiave: Fiducia
Azioni guida: Scegliere il lavoro – Abbandonarsi al lavoro – Accettare di essere guidati
Pensiero guida: Non esiste “l’errore” – Esiste la responsabilità delle scelte e la capacità di condividerle

Finalità primarie: recupero della memoria fisica e dell’immaginazione di ognuno e del gruppo – scoperta e acquisizione degli strumenti necessari al lavoro dell’attore, alla costruzione del personaggio alla strutturazione della propria presenza scenica

Risultato: un attore capace di realizzare una creazione collettiva.

La festa di S. Antonio Abate a Campagna (Salerno)
E la notte in cui linverno mostra il suo cuore, la notte del 17 gennaio, Campagna accende la sua tradizione più arcaica, moltiplicando in tutte le strade il rito del fuoco, il fuoco propiziatorio della nuova stagione, capace di scatenare le forze positive, di sconfiggere le malattie ed esorcizzare lassalto del maligno. Sono antiche le feste dei fuochi, antiche e legate alle dee madri romane, celtiche… dogni luogo.

I “Fucanoli”, sono un rito antichissimo dalle origini pagane che si sposa con la processione di Sant’Antonio Abate lungo le strade e nei rioni della città di Campagna (Salerno). Il percorso è segnato da tanti falò, grandi cataste di legna, vecchi tronchi d’olivo ormai secchi, ramoscelli e ciocchi, un fuoco che scoppia e sale e vortica, avvolge i passanti in una folata di calore insopportabile, lotta con forza ed allegria contro il vento gelato.

Il progetto multimediale “I Fucanoli” è una raccolta di testimonianze, memorie e tradizioni che getta uno sguardo completo ed articolato sulla manifestazione utilizzando due punti di vista che si integrano e si supportano l’un l’altro: il folklore e l’antropologia culturale.

Un progetto che ha come obiettivo recuperare, mantenere e diffondere, anche al di fuori dei confini del territorio di Campagna, il senso e la storia di una tradizione unica, vista nella sua interezza, nel suo intreccio di simbologie sacre e profane e nel suo mutare e rinnovarsi nel tempo.

Il progetto è composto da un DVD della durata di 1 h e 39 minuti confezionato in DVDbox trasparente completo di copertina; da un booklet di 51 pagine ed è confezionato in cofanetto cartonato e cellophanato.
Il costo del DVD è di Euro, 18,00 ed è acquistabile inviando una mail ad argillateatri@gmail.com

Scheda editoriale

Il testo di Friedrich Durrenmatt, composto nel 1985 rielabora il mito del Minotauro, di Teseo e di Arianna in una chiave moderna: il Minotauro è la “diversità”, la mostruosità di un essere diverso, escluso e recluso, innocente della propria non appartenenza alle regole; il dramma è quello della coscienza di sé e dello smarrimento di ogni individuo di fronte all’incontro con la propria coscienza.

Nel testo di Durrenmatt l’attenzione si sposta dalla necessità di “liberazione dal mostro” all’umanizzazione del mostro stesso. Il Minotauro, infatti, era considerato l’archetipo di uno degli aspetti dell’uomo ancestrale che doveva essere sottomesso al “logos”, la capacità di logica, l’intelligenza, la ragione, la legge. L’autore supera tutto questo per descrivere il Minotauro dal punto di vista del diverso, dell’escluso, di colui che non può entrare nella relazione sociale e quindi non ha accesso al logos raffigurato dal filo di Arianna.

Nell’allestimento de “Il Minotauro”, grazie alla partitura fisica acrobatica (sfida all’espansione nello spazio), la lettura verticale del movimento rappresenta un’elevazione del gesto, dell’intenzione e del pensiero: il logos assente in Durrenmatt.

La messa in scena è basata sull’equilibrio delle diverse forme d’espressione utilizzate per la realizzazione del testo: musica, lettura, linguaggio del corpo, ricerca ed elaborazione di testi brevi e taglienti che sottolineano i movimenti degli attori  ed  il linguaggio della straordinaria struttura scenica capace di moltiplicare le possibilità espressive del gesto.

La musica fatta di periodi fluidi che si snodano e si rincorrono, ricreano anche visivamente il mondo delle immagini, a volte confuse, in cui il Minotauro vive. Un gioco di specchi tra l’essere e la sua ombra, il corpo e le sue migliaia  di copie riflesse, che riproduce all’infinito l’illusorietà di qualsiasi tentativo di  fuga. Un racconto che corre rapido verso il tragico epilogo, e noi spettatori, nel confronto finale con Teseo, non possiamo fare a meno di parteggiare per il Minotauro”.

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“Tre donne attendono l’alba in una veglia funebre dell’amica morta.
All’alba scompariranno e, dunque, per credersi reali e  poter affermare di aver davvero vissuto, nella lunga veglia si racconteranno l’un l’altra una storia intessuta dei loro sogni.
E’ la storia del Marinaio che, naufragato su un’isola deserta, a sua volta sogna un passato ed una Terra d’origine che non ha mai avuto…”

Siamo fatti della stessa materia di cui sono fatti i sogni afferma Prospero nella Tempesta di Shakespeare. Ma di che materia son dunque fatti questi sogni?

Le tre donne di Pessoa, narrando,  introducono la possibile soluzione  del   significato dell’esperienza più soggettiva e irrepetibile che esista, trasmissibile solo attraverso la mediazione delle parole che usiamo  per raccontarlo e quindi inscindibilmente legato alla poesia.

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Punti di vista, strada, rumori. Buste di plastica e fardelli. Inizia un giorno nuovo. Diverso. Perché tutti i giorni sono diversi.

Gesti, domande, risposte. Il suo sogno, il suo passato… Una danza. Dov’è il mondo? Al di là o al di qua della porta? Sulla strada.
Il senso è nell’entrare dentro.
La forza è quella del trascinare dentro.
Il fine è quello di confondere, di porre domande, di lasciare spazio a migliaia di verità.

Movimenti interiori ed esteriori di lentezza, dis-equilibrio, attenzione, solitudine, moltitudine, sguardi…compenetrata con l’impercettibile movimento della danza, capace di rendere tridimensionale il sogno di un amore passato, di uno squarcio di vita perduto, della realtà abbandonata…

Lo spettacolo interseca su più piani il teatro di movimento, la danza, la poesia (Jack Hirschman, uno fra i più grandi poeti americani contemporanei;poesie e creazione degli stessi “barboni”) e l’irresistibile fascino della musica di Gavin Bryars: il canto struggente di un homeless londinese; inoltre, suoni, voci come strumenti, incroci di segnali sonori, accompagnano il passaggio fra le infinite realtà…

La sinergia fra i diversi linguaggi – riconducibili ad un’estetica di teatro poetico e di impegno sociale – fa sì che l’azione suggerisca un’esperienza che possa essere condivisa dallo spettatore.

Con questo progetto il teatro contamina la finzione con la realtà, rende visibile – in un luogo inaspettato – una quotidianità dolorosa senza renderla docile e gradita; cerca di mostrare l’uomo “senza fissa dimora” nei suoi giorni diversi; va oltre i punti di vista, ferma l’attenzione su uno stato dell’animo sempre in bilico fra il ricordo e la sopravvivenza; produce un confronto fra linguaggi, lasciando che la poetica, la verità degli “ultimi” scompigli, ancora una volta, la razionalità.

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